Домашний музей - Парч Сусанна (книги регистрация онлайн .txt) 📗
Чтобы писать хорошие портреты, художнику необходимо практиковаться. С этой целью они создавали автопортреты, так как для работы художнику требовалось лишь зеркало. Зачастую художники даже не признавались, что писали самих себя. Так, например, предполагают, что портрет работы Ван Эйка «Мужчина в красном тюрбане» (рис. 144) на самом деле является автопортретом.
Рис. 144. В 1433 г. Ван Эйк написал «Мужчину в красном тюрбане». Уже в XVII в. высказывали предположения, что это автопортрет художника. Между тем некоторые исследователи придерживаются мнения, что в 1432 г. Ван Эйк изобразил себя на картине «Тимофей».
В 1500 г. Альбрехт Дюрер (1471–1528) из Нюрнберга написал свой портрет (рис. 145). На полотне изображена голова и грудь художника. Свою отороченную мехом мантию он придерживает правой рукой. Лицо обрамляют длинные вьющиеся волосы, взгляд напряженный. Дюрер изобразил себя на картине так, как прежде писали лик Христа. И если сравнить его портрет с ранними иконами (рис. 88), то это сходство сразу же бросится в глаза.
Рис. 145. «Автопортрет» Альбрехта Дюрера в меховой мантии относится к самым известным произведениям европейской живописи. Оно настолько известно, что даже часто использовалось для рекламных целей.
Такой прием не случаен. Сходство было предусмотрено заранее, поскольку как Бог создал человека, так и художник создает образ человека в вечном искусстве. Слева от Дюрера находится монограмма с датой 1500. Справа — надпись на латинском языке, которая переводится так: «Так изобразил я себя, Альбрехта Дюрера из Нюрнберга, вечными красками в возрасте 28 лет».
Дюрер написал свой портрет «вечными красками», чтобы сохранить свой образ для последующих поколений. Он не только подписал портрет, чтобы все знали, кто на нем изображен, но также и уточнил, что написан он им самим. Итак, положение некоторых художников в обществе существенно изменилось. Следует принять во внимание, что на протяжении долгого времени художники считались всего лишь ремесленниками. Таковыми оставались они со времен античной Греции, и 200 лет, разделяющие Джотто и Дюрера, на самом деле являются очень коротким сроком.
Естественно, не все художники были столь уважаемыми личностями, как Дюрер. Они долго пребывали в учениках. Большинство из них продолжали оставаться ремесленниками, выполняя небольшие заказы или работая помощниками в мастерских известных мастеров.
Некоторые известные художники писали трактаты по искусству. Это были труды, посвященные архитектуре, ваянию и живописи. В XVI в. появилось произведение, в котором были собраны биографии многих художников. Это «Описание жизненного пути известнейших итальянских художников, ваятелей и архитекторов», написанное Джорджо Вазари (1511–1574), начинается с Чимабуэ и Джотто. Сам Вазари был художником, архитектором и писателем. В то время он являлся известным человеком. Художники такого ранга получали от своих заказчиков в подарок дома и зачастую вели образ жизни обеспеченных господ. Таковыми они и предстают на своих автопортретах.
В XVII в. голландский художник Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669) по крайней мере раз 30 изобразил себя на полотнах. Кроме того, он создал многочисленные рисунки и гравюры на меди со своим портретом. Это был один из способов для него упражняться в написании портретов. Однако Рембрандт желал увековечить и себя. Каждый раз на новом автопортрете он в новом одеянии, а в 1640 г., будучи уже в зените славы, он даже изображен в одежде, которую носили представители благородного сословия (рис. 146). Сын простого мельника, благодаря своим удивительным способностям, чувствовал себя стоящим на той же иерархической ступени, что и дворянин. В более поздние времена художников иногда называли даже князьями живописи.
Рис. 146. В 1640 г. сын мельника Рембрандт Харменс ван Рейн изобразил себя в костюме дворянина.
Живописцы стали изображать себя преисполненными достоинства, каковыми предстают перед нами на своих автопортретах Рембрандт и Дюрер. Однако были в прошлом и есть в настоящем живописцы, которые видели и видят себя другими глазами. Наряду с картинами, изображающими художника за работой (рис. 176, 200), имеются полотна, которые передают такое внутреннее состояние, как страх, отчаяние или печаль (рис. 226). Эти картины выставлены в других залах нашего музея. Здесь они представлены лишь небольшими фотографиями.
Рис. 147. Тим Ульрикс. Акция, состоявшаяся в 1975 г. и выразившаяся в экспонировании самого себя, сохранилась на фотографии.
Некоторые художники подвергали сомнению значимость своих произведений. Примером тому может служить Тим Ульрике (родился в 1940 г.), являющийся нашим современником. В 1975 г. он в качестве экспоната выставил самого себя с нарукавной повязкой и палочкой слепого. На его груди висел плакат, на котором было написано: «Я не в состоянии больше видеть никакое искусство» (рис. 147). Фраза эта двусмысленна. Конечно же слепой человек не может видеть произведения искусства. Но, с другой стороны, Тим Ульрике этой фразой поднимает вопрос и о значении искусства. Искусство — что же это, собственно, такое?
Согласно легенде Ван Эйк считается художником, который изобрел живопись маслом. Это не совсем верно, однако тут есть и некоторая доля правды. В прежние времена невозможно было купить краски в тюбиках, как теперь. Тогда для получения красок перетирали в порошок минералы. Порой это были очень дорогие камни, как, например, лазурит, с помощью которого можно было передавать великолепную глубокую синеву. Порошки не просто смешивались с водой, в них еще добавлялось яйцо. Эта «яичная темпера» являлась краской, которая очень быстро высыхала. Иногда художники смешивали краску с маслом, но только Ван Эйк нашел то самое масло, при использовании которого краски оставались прозрачными. Теперь стало возможным накладывать один слой краски на другой, постепенно выписывая картину. Лишь много позже художники начали писать влажным по влажному, то есть не ждали, пока просохнет один слой краски, чтобы нанести следующий. И это дало неожиданный эффект.
В средние века искусство преследовало цель показать внутреннее состояние человека, преображающийся мир вокруг его. Оно также должно было прославлять христианскую веру. Художники не стремились к точному воспроизведению черт лица изображавшихся ими людей. А для того чтобы увековечить имя дарителя, часто было достаточно просто нарисовать его герб. Во времена, предшествовавшие эпохе Возрождения, все изменяется. При этом меняется и само искусство. Человек как личность все решительнее занимает центральное место в искусстве. Появляется стремление к воспроизведению портретного сходства лица дарителя. Так постепенно развивается портретная живопись.
Через некоторое время у художников появилось желание изображать на своих полотнах и себя. Вначале они придавали одному из персонажей библейского сюжета собственные черты лица. Однако позже самооценка художника выросла. Например, Дюрер изображает себя, как было принято изображать Иисуса Христа, и тем самым заявляет: художник не является более простым исполнителем, он — творец.
Зал 11
Искусство Возрождения
Зал нашего музея, в котором находятся произведения искусства эпохи Возрождения, состоит из двух небольших комнат. Они повторяют помещения одной флорентийской церкви.
