Мастера исторической живописи - Дятлева Галина (читать книги онлайн бесплатно регистрация .txt) 📗

Вскоре после этого Веласкес начал картину «Вакх» (1628–1629, Прадо, Мадрид). Мастер изобразил компанию испанских бродяг, устроивших пирушку вместе с античным богом Вакхом. Фигура Вакха является центральной, перед ним на коленях стоит один из бродяг, судя по одежде, бывший солдат. Бог украшает его голову венком из виноградных листьев. У испанцев веселые лица, и все же на них можно прочитать и следы тяжелых невзгод и лишений, которые им пришлось испытать в прошлом.

Несмотря на то что художник ввел в картину мифический персонаж (Вакха), эту работу в некотором роде можно считать одним из бодегонес, которые он создавал в начале своего творческого пути. Соединение мифа и реальности кажется обычным, естественным.

Изображая пирушку на природе, Веласкес, естественно, не мог не уделить внимание пейзажу. Однако он ограничился тем, что только слегка наметил его основные элементы.

Колорит картины довольно необычен для испанской живописи того времени: фигуры бродяг написаны в красно-коричневых тонах, присутствуют светло-красные и перламутрово-серебристые оттенки. Некоторые из исследователей делают предположение, что Веласкес общался с Рубенсом, приехавшим в те годы в Мадрид по дипломатическому поручению, после чего переписал полотно, изменив колорит. Как бы то ни было, впоследствии Веласкес совершенствовался в этом направлении, и сегодня его называют одним из талантливейших колористов.

Почти сразу же после окончания картины, в 1629 году, Веласкес с согласия короля отправился в путешествие по Италии. Он осмотрел Геную, Рим, Неаполь и Венецию. Художник привез из этой поездки полотно «Кузница Вулкана» (1630, Прадо, Мадрид). Основой для данной работы послужил мифологический сюжет: бог огня Вулкан, находящийся в своей кузнице в окружении циклопов, узнает от Аполлона о том, что его жена, богиня любви Венера, не верна ему.

Несмотря на мифологическую основу, художник, как и в «Вакхе», изобразил не богов и фантастических чудовищ, а обычных людей: циклопы похожи на мужчин, не отличающихся особенной красотой. Один из них стоит спиной к зрителям, двое – боком, еще один – лицом, но далеко, в глубине помещения, поэтому разглядеть их лица нет возможности. Вероятно, эти «циклопы», как и обычные люди, имеют по два глаза.

Вулкан стоит у наковальни и одной рукой придерживает щипцами металлическую полоску, в другой держит молот. На его лице можно прочитать гнев и неудовольствие от только что услышанного известия.

Фигуру Аполлона мастер поместил в левой части картины. Из всех остальных только он одеянием и всем обликом более всего действительно похож на бога. Однако над его головой виден нимб (его обычно изображали только над головами христианских святых).

Работа представляет большой интерес в композиционном плане: обычно мастера Возрождения изображали в левой части полотна идеальный пейзаж, который был виден через большое окно или проем в стене. Веласкес отступил от традиций и изобразил интерьер обычной кузницы, довольно точно выписав все ее элементы. Из-за этого картина кажется еще более реальной.

Совершая поездку по Италии, Веласкес по-новому взглянул на правила колорита. По всей видимости, на эту работу большое влияние оказало творчество венецианских живописцев: они использовали чистые и яркие, сочные тона. В «Кузнице Вулкана» тоже присутствуют яркие золотистые и розовые оттенки.

В 1631 году художник, полный новых впечатлений, вернулся в Мадрид и снова занялся обязанностями придворного живописца. В его работах этого периода заметны попытки изображать воздух и свет.

Он отказался от темных, мрачных тонов и резких линий, их заменили легкие, плавные очертания фигур, которые как бы окутывает воздушная светло-серебристая дымка. Все чаще мастер стал использовать коричнево-зеленоватые и голубовато-серые сочетания, а также выполнять в пределах одного цвета плавные переходы от одного тона к другому.

Большинство картин Веласкеса этого периода являлись портретами. За фигурой человека мастер изображал пейзаж, чаще всего – горы Кастилии и ясное небо с легкими, почти прозрачными облаками. Довольно часто он писал модели в охотничьих костюмах, верхом на лошади (в этом случае пейзажный фон был оправданным). Одной из наиболее удачных работ 1634–1636 годов является конный портрет маленького инфанта Бальтасара Карлоса (Прадо, Мадрид).

В 1635 году Веласкес закончил картину «Сдача Бреды» (Прадо, Мадрид), которую сегодня признают одной из лучших работ европейских живописцев исторического жанра. Кроме того, многие исследователи полагают, что именно ее следует считать первой настоящей исторической картиной.

Художник изобразил на ней событие десятилетней давности: падение голландского города-крепости Бреды. Это была значительная победа испанцев в войне с Нидерландами, в целом неудачной для Испании.

Взглянув на полотно, зритель как бы становится свидетелем самого торжественного момента взятия крепости: командующий гарнизона голландец Юстин Нассау передает ключи от городских ворот испанскому полководцу Спиноле, который в ответ оказывает милость побежденным солдатам, даруя им свободу.

Глядя на фигуры Нассау и Спиноле, можно сразу же понять, что они чувствуют. Испанец уверен в себе, полон внутреннего достоинства, сдержан.

Голландец также держится достойно, в его поклоне нет ничего угоднического, а только внутренняя усталость, грусть от поражения. Те же чувства и мысли можно прочитать на лицах воинов – испанцы серьезны как люди, выигравшие трудный бой, но потерявшие своих товарищей. Некоторые из голландцев смотрят в землю, в глазах других видна растерянность, но чувствуется, что их дух не сломлен.

В правой части композиции изображены испанские воины с копьями, которые они держат вертикально (благодаря этому «лесу» в Испании картина так и называется – «Копья»).

Мастер получал множество заказов на написание портретов. Причем к нему обращался не только король и члены царской семьи. Веласкес создал множество портретов знаменитых людей того времени: вельможи дона Хуана Матеоса (ок. 1632, Картинная галерея, Дрезден), скульптора Мартинеса Монтаньеса (ок. 1637, Прадо, Мадрид), графа-герцога Оливареса (ок. 1638, Эрмитаж, Санкт-Петербург), итальянского кардинала Камилло Анстальи (1640-е, собрание испанского общества, Нью-Йорк) и др.

Для этих и многих других портретов характерны легкие линии, намечающие очертания силуэта. Краски мастер клал тонким слоем так, что в некоторых местах просвечивает холст; для того чтобы подчеркнуть какую-либо характерную деталь внешности, художник использовал более плотный мазок. Лица моделей еле-еле намечены легким движением кисти, и тем не менее довольно ясно видны строение и характерные черты. Среди всевозможных тонов в портретах преобладали темные, типичные для одежд придворных того времени. Однако краски не казались скучными, например в черных тканях Веласкес видел и изображал множество других оттенков.

В 1644 году художник создал очередной парадный портрет Филиппа IV (музей Фрик, Нью-Йорк). Король позировал ему в городе Фрага, находящемся довольно далеко от Мадрида, на востоке страны, в Каталонии. В честь города портрет получил название «Ла Фрага».

В этой картине преобладают яркие, сочные, насыщенные цвета. Король одет в шелковый малиновый костюм, украшенный жемчужно-серыми тонкими кружевами. В волосах Филиппа IV можно заметить темные золотисто-коричневые рефлексы. В руке король держит темную шляпу с ярко-красным страусиным пером.